ENTREVISTA CON NICOLAS ROMERO - EVER
Nicolás Romero Escalada –Ever-, nació en Buenos Aires (Argentina), donde reside actualmente. A finales de los 90 se convirtió en parte de la escena del graffiti de su ciudad y luego evolucionó creando un estilo pictórico completamente personal. El artista prefiere dialogar en espacios públicos donde realiza una investigación que critica la realidad actual y en la que se fusionan la política y la filosofía.
El hombre está en el centro de sus obras que retratan a los grandes personajes de la historia pasada, pero también a la gente común o su familia. Siempre combina imágenes abstractas y figurativas en colores brillantes por las consecuencias de sus comienzos anteriores con letras de graffiti. Investiga el cuerpo humano en todas sus formas y posibilidades, a veces llevando este ejercicio al extremo hasta que se convierte en un símbolo y un mensaje.
Ha sido parte de los cuatro artistas seleccionados para la residencia “Change is a Team Sport” en B-Murals, en colaboración con Adidas y Urvanity. Durante su tiempo con nosotros, trabajó en procesos participativos con los alumnos de pintura de la Escola la Llotja y con artistas del centro Espronceda. Realizó varios murales en la Nau Bostik y trabajo en el estudio B-Murals.
Me puedes un poco contar de donde vienes? Cual es tu relación con el graffiti? Háblame un poco de tus inicios y del graffiti de letras en Buenos Aires.
Empecé a pintar y a tener noción del graffiti cuando tenía alrededor de 15 años. Empecé a ver jeroglíficos y símbolos en las paredes de mi colegio, con la curiosidad localicé a las personas que lo hacían y empecemos a formar una crew. Fue bastante interesante porque en esta época en Buenos Aires la escena era pequeña, entonces era muy fácil y accesible conocer a los referentes en este momento. Creo que fue una evolución bastante orgánica. De mi crew fui el único que siguió y pude conocer a otros referentes de la escena de graffiti de Buenos Aires. Esa es la manera en que me inicié.
De niño y luego de adolescente ya me gustaba mucho estar en la calle. Entonces creo que las firmas y los graffitis de Buenos Aires eran como grabados subliminalmente en mi mente. Y luego fue una elección para seguir haciendo arte.
De donde viene el nombre Ever? A veces firmas como Nicolás Romero. Como lo enfocas, como te mueves en esta duplicidad de nombres?
Ever es un nombre que viene de tratar de hacer el lettering del graffiti clásico. Estaba buscando, más que un significado semántico, letras que pueda estilizar y utilizar para hacer graffiti. Sabia que la E y la R final era dos letras que quería que estuvieran y busqué letras para poner en el medio. Y así llegó el nombre de Ever. Después, a medida que pasaron los años me fui dando cuenta de la relevancia que tenía el significado de la palabra.
Actualmente me gusta que mis obras sean de Nicolas Romero. Me parece que el nombre Ever es un recuerdo de una experiencia. Los dos nombres me parece que se mezclan, que es lo mismo, quizás Ever es un alter ego. No le veo diferencia. Pero la maduración como artista también conlleva la aceptación de uno-mismo.
En mi adolescencia, jugar con el pseudónimo fue una manera de protegerme de muchas cosas. No solo de la policía sino también de ser incógnito, de sacarse muchas responsabilidades de por encima.
Vienes del mundo del graffiti, pero también estudiaste Bellas Artes. Que influencia tiene el graffiti en tus obras? Y como se aplican técnicas de pintura clásica en un mural?
Si, vengo del mundo del graffiti y estudie bellas artes pero muy poco, en clases particulares donde aprendí acrílico, óleo, acuarela, etcétera. y también un poco de cuerpo humano.
Creo que el graffiti se manifiesta a través de mi contemplación del espacio publico. El graffitero tiene una mirada del espacio que es completamente diferente a la que puede tener un arquitecto. Contempla a los espacios muertos que un arquitecto considera como inusables. Entonces como artista he heredado de la contemplación del espacio de un graffitero. Es esta mirada que nos permite saber donde se puede intervenir y como pensar una obra en base a algo. Me parece que esa parte es la esencial del graffiti, junto con el hecho de trabajar en situ, donde muchas cosas se pueden modificar.
Y empecé a aplicar las técnicas de pintura clásica en mis murales porque en Buenos Aires hubo un momento en que el contexto económico reclamaba que empezáramos a utilizar tipos de materiales más baratos, como la pintura vinílica – la pintura con la que se pintan las casas. Y creo que el uso de la pintura vinílica me empujó a trabajar con diferentes técnicas y acabé trabajando de las mismas formas que en el estudio. Al final, para mi, estos dos mundos no son tan diferentes. Solo se trata de trabajar con diferentes limitaciones y materiales.
Tu proceso artístico es muy atípico. Montas un bodegón a partir de objetos, haces una foto y lo replicas en pintura, cierto? Como te vino esta idea del bodegón? Porque estas esculturas? Que importancia tienen en tu proceso?
Empecé a implementar mi proceso de investigación más o menos hace tres o cuatro años. Sentí que esta vorágine de pintar en grandes proyectos y en festivales ya no me permitía conectar con el espacio a pintar. Visitaba las ciudades pero tenía la sensación de que me costaba encontrar una conexión con estas ciudades en base a mi propio criterio. Iba con una idea plasmada sobre la situación y eso era lo que pintaba en la ciudad.
Al final el proceso del bodegón se planteo como una solución: encontraba objetos que a su vez, contaban una historia completamente diferente. Me permitía ampliar mucho mas la diversidad de lo que podía exprimir con un mural.
Y también creo que hay un intercambio que se genera en el bodegón entre el artista, los objetos y los símbolos. Me llevo una experiencia en cambio, me llevo un conocimiento sobre algo que ya está en este lugar y que está fuera de mi control. Y llega como un momento en que yo tengo control de estos objetos cuando los manipulo tanto con el photoshop o in situ, cuando creo los bodegones.
Sueles incorporar varios objetos en tus obras, y a menudo son objetos que no tienen ninguna utilidad. Entonces, me gustaría saber que significados llevan los objetos para ti? Como te vinculas con ellos?
Actualmente los objetos son la representación de nuestros ideales políticos. Nacimos en la generación del capitalismo y actualmente cuando una marca o una empresa no nos gusta la boicoteamos y compramos una marca que políticamente esta haciendo las cosas correctas – que es subjetivo- pero nuestra aprobación/ votación es en base al dinero. Entonces la relación que tengo con los objetos es la misma que tienen cualquier identidad o cualquier persona.
Los objetos son un método para aproximarnos a los otros, actualmente me parece que nos aproximamos y comunicamos como seres humanos tras los objetos. Si lo veo a grandes rasgos me parece que está mal, me parece que el vinculo humano se esta perdiendo mucho, es uno de mis miedos.
Has trabajado con nosotros en Barcelona, ahora estas en Madrid y has sido seleccionado para una residencia virtual con Montana Colors. Como ves el futuro? Vas a quedarte aquí en España?
Actualmente estoy en Madrid y ese es mi futuro inmediato. Estoy contento porque apliqué y fui seleccionado para la residencia de Montana Colors. Me parece importante que entidades culturales o de materiales de arte apoyen a los artistas en estos momentos tan difíciles. Ahora el campo del arte pasó en segundo plano cuando ya por si es bastante frágil e imprescindible. Entonces para mi fue bastante importante y me dio un choque de energía y de inspiración el hecho de haber sido seleccionado en esta residencia. Me motivó a todo lo que está pasando ahora: una muestra en galería Kreisler el 2 de octubre y mi muestra en los Angeles en la Ochi Gallery el 9 de noviembre. Estoy muy motivado y pensando todo paso a paso. Todo paso a paso, ese es el futuro actual de Nicolas Romero.
Haces parte del proyecto “Change is a team sport” de Adidas. Creo que podemos decir que el año 2020 nos pone ante retos y cambios importantes. Me gustaría hablar un poco de este tema contigo.
¿Que tipo de cambio te gustaría ver en nuestra sociedad? ¿Hay una lucha en particular que tiene importancia para ti o que crees que es urgente?
Yo creo que la problemática del cambio climático seria la preocupación más fuerte y urgente. En segundo lugar, me parece importante volver a tener y cuidar los vínculos humanos, preocuparse por el otro. Me parece que esas son las dos prioridades que debería tener el ser humano.
¿En que medidas crees que el arte y la cultura pueden empujar el cambio o acompañar una lucha? ¿Crees que la participación en las artes o la cultura son motores de cambio o de desarrollo social?
El arte es un campo fundamental para la sociedad porque converge en este espacio invisible y crea puentes entre procesos más pragmáticos.
El arte es un poco el resumen de la metáfora de la vida. Es otra manera de comunicarse y de generar un dialogo. En mi opinión es fundamental para cualquier proceso humano o proceso histórico, creo que es vital.
Para abordar esa idea de “Team”, hiciste un proyecto con los alumnos de pintura de la Escola la Llotja y con artistas del centro Espronceda. Como han ido estos procesos comunitarios? ¿Que te inspira esta idea de “team” a la hora de crear y de trabajar?
Me parece que lo más importante fue aprender a conocernos entre todos y apoyar el proyecto de diferentes maneras. Ha sido muy fuerte la sinergia entre todos y esta sensación de aprender mucho del otro. Creo que la experiencia del otro es lo que construye también la obra.
A nivel personal, me parece que aprendí a escuchar un poquito más, por eso ha sido muy fuerte la experiencia. La experiencia personal es vital para el desarrollo de la obra en general, tanto de ellos como la mía.
El hecho de conectarnos con un objetivo mismo es lo más enriquecedor: esta parte de amistad invisible que converge por el hecho de un objetivo artístico.
Hoy parece que hay una especie de dicotomía entre la gente creativa, la gente “artista” y “los demás”, los que compran el arte o que aprenden de el ¿Crees que hay gente creativa y gente que no lo es? ¿Todo el mundo puede ser artista?
Todos tenemos creatividad por dentro. Solo tenemos que empezar a desarrollarla. Luego me parece que hay campos, como por ejemplo el arte, que favorecen el desarrollo de un tipo de subjetividad y de necesidades. Yo creo que todos tenemos creatividad. La creatividad es la manera de mirar, de contemplar y de escuchar.
Es una construcción que podemos hacer todos en un día-día y que podemos transferir en los campos, en las disciplinas en los cuales estamos inmersos. Todos somos creativos. Un bebe es creativo. Me parece que solo necesitamos el tiempo para desarrollarla.
IG: @eversiempre
WEB: www.eversiempre.com
Texto: Léa Fauroux
Fotos: Bruma / Fer Alcalá / Alex Puig