ENTREVISTA CON OCTAVI SERRA
El estilo de Octavi Serra va mucho más allá de los límites establecidos. A través de técnicas mixtas e instalaciones en el espacio público de todo tipo, la trayectoria artística de Octavi Serra parte del sarcasmo más profundo –y ocurrente- para apuntar hacia los despropósitos y las contradicciones de la naturaleza humana y, sobretodo, de la sociedad moderna. Su obra es un reflejo de todo aquél sinsentido de nuestro día a día. Un espejo que retrata lo más absurdo de nuestras vidas con una avidez y un ingenio de lo más feroz. Sin duda, a este artista catalán no se le escapa una.
Ha sido parte de los cuatro artistas seleccionados para la residencia “Change is a Team Sport” en B-Murals, en colaboración con Adidas y Urvanity. Durante su tiempo con nosotros, Octavi trajo todo su arsenal a nuestro centro de arte para explorar nuevas técnicas como la petrificación de elementos tales como piezas de ropa y sábanas, entre otros. Una técnica que, a través de un conjunto de talleres con los alumnos de la Escola Llotja, ha ido desvelando poco a poco para que los participantes puedan incorporar y aplicar este prometedor método a sus creaciones. Por último, no dudó en realizar una de sus irónicas intervenciones en las paredes de la Nau Bostik. Un mural donde la frase “Looks Like I Don’t Know How to Paint” se muestra como elemento principal para ironizar sobre las habilidades de su propio estilo así como para remarcar que no todo el arte urbano se centra en estilos pictóricos.
¿Me puedes contar un poco como te encontraste en el mundo del Street Art? ¿Que es lo que motivó tus primeras intervenciones en la calle?
Estudié diseño de producto en Barcelona pero mis diseños se iban alejando cada vez mas de la función y tendían al absurdo o a la metáfora. Para el proyecto final de carrera diseñé unas almohadas raras con unos botones de silicona y cuando fui a comprar la silicona quedé encantado con todos los materiales de la tienda. Me compré un poco de todo y, con Mateu Targa, entonces mi compañero de piso, empezamos a experimentar con los materiales. Hicimos unos moldes de nuestras manos y las empezamos a colgar por el piso. Todas ellas servían para alguna cosa; para colgar las llaves, colocar el papel de wáter… Una de ellas era un puño alzado que utilizábamos de colgador y, cada vez que lo veíamos, queríamos empezar una revolución obrera. Rápidamente entendimos la fuerza conceptual de la pieza y que la revolución en el interior de un piso era un sinsentido. Así pues, decidimos sacarla a la calle. Hicimos unas 10 manos diferentes hablando sobre la crisis del 2008 y nos sorprendió mucho la reacción de la gente y la repercusión en los medios. Entendí las posibilidades de la intervención en la calle y desde entonces que sigo interviniendo aquello que me pide ser intervenido.
Intervienes en la calle pero poco pintas en las paredes, se ve que trabajas con el entorno y juegas con los objetos, los atributos de la calle. Por eso me interesa mucho saber como te proyectas en el espacio publico. ¿Tienes la sensación de apropiarte el espacio, a la manera de un grafitero? ¿Como describes esa relación que tienes con la calle?
No vengo del mundo del graffiti sino del mundo del diseño. Aunque me encanten los murales y las intervenciones pictóricas, a mi me interesa el mundo físico, el objeto y el espacio. Me encanta descifrar los jeroglíficos y los mensajes que esconden los objetos para después señalarlos y comunicar aquellos que merecen ser comunicados.
Me gusta que mi intervención sea mínima y que una pequeña modificación nos haga entender el objeto desde un punto de vista nuevo, a veces político, a veces reflexivo, a veces absurdo.
Cada espacio y cada objeto tiene unas características muy concretas y los utilizo también como parte de la pieza final. El contexto de las intervenciones es tan importante como la modificación. La intención es crear escenarios nuevos a partir de espacios monótonos y cotidianos. A diferencia del graffiti o la pintura mural, mis intervenciones solo tienen sentido en el mismo espacio, o en el mismo objeto, que se ha intervenido. Si se cambia el contexto, pierde el sentido.
Podríamos decir que tu trabajo es más conceptual, ¿quizás más de arte contemporáneo? ¿Como te sitúas a ti-mismo en el paisaje artístico? ¿Eres mas de Street art o de arte contemporáneo? En que mundo te sientes mas cómodo?
No me gusta encasillarme porque tampoco entiendo muy bien cuales son los límites de las diferentes burbujas artísticas.
Tus obras son como tantas preguntas que dejas abiertas en la calle. ¿Tratas de iniciar un dialogo entre tu obra y el transeúnte? ¿Qué te interesa suscitar en la gente o que tipo de reacciones buscas?
La verdad es que no lo sé del todo. No estoy muy seguro de porque hago lo que hago pero, a lo largo del tiempo, creo que estoy descifrando algunos de los porques, algunas intenciones y estoy empezando a ver pequeñas características que hacen de mi trabajo un conjunto reconocible.
Supongo que es innegable la existencia de un dialogo entre el transeúnte y su contexto. Los objetos y los espacios transmiten emociones e información, están diseñados con un objetivo funcional y su mera existencia les encasilla en una estética concreta. Esta información es, justamente, lo que me interesa intervenir.
Modificar aquello que entendemos de los contextos y los objetos para proponer interpretaciones nuevas, que jueguen con la percepción y que perviertan ese dialogo que, sin intervención, fácilmente puede desaparecer por repetitivo.
Me gustaría conocer más tu proceso artístico ¿Que es lo que activa la idea o la creación de una obra? ¿A partir de que ideas trabajas, cual es tu camino para concretizarlas?
No tengo ningún proceso artístico claro. Dependiendo del momento y del ejercicio a realizar se parte de diferentes puntos.
En los festivales de arte urbano, normalmente se parte de un espacio concreto y el ejercicio consiste en la búsqueda de posibilidades para ese contexto. A esa búsqueda le sumas diferentes limitaciones que van acotando las posibilidades hasta encontrar dos o tres que encajan en el proyecto. En definitiva, el ejercicio consiste en cuadrar diferentes limitaciones; posibilidades del espacio, relación conceptual con el contexto, limitación de tiempo, materiales, recursos, presupuesto…
Las limitaciones son guías por las que explorar.
Por otro lado, los proyectos que parten de un concepto consisten en la búsqueda de elementos que puedan representar esos conceptos y jugar con ellos hasta encontrar algo que te seduzca.
Durante tu tiempo con nosotros has petrificado y modelado piezas de ropa; has explorado y jugado con la materia y las técnicas. ¿Dirías que ese juego con la materia podría ser el objeto de futuras intervenciones en la calle?
Seguro que sí, solo falta encontrar el momento y el contexto donde eso encaje de nuevo.
¿Sueles evolucionar en las técnicas e innovar mucho?
La verdad es que suelo cambiar mucho en todos los sentidos. Me canso rápido de las cosas y casi todos los proyectos son bastante diferentes entre sí, tanto a nivel conceptual como técnico. Esto es algo que me gustaría cambiar. Creo que es necesario enfocar en un concepto o técnica y trabajarla durante un tiempo para poder entenderla bien y ver hasta donde se puede llegar. Mi caso es un poco caótico ya que me gusta cambiar de técnica a cada proyecto. Supongo que es una manera para combatir el aburrimiento, pero también creo que la paciencia y la mejora pueden aportar una estabilidad creativa y emocional necesaria, al menos durante un tiempo.
Aún así, también creo que el apalancamiento, tanto técnico como conceptual, es la muerte del creativo.
¿Que es lo que motiva el uso de una materia, de una técnica o la otra a la hora de concretizar una idea?
Depende mucho del proyecto en el que esté envuelto. Lo normal es que el concepto y las limitaciones del proyecto te dirijan hacia una técnica u otra.
Hiciste parte del proyecto “Change is a team sport” de Adidas. Creo que podemos decir que 2020 nos pone ante retos y cambios importantes. Me gustaría hablar un poco de este tema contigo.
¿Que tipo de cambio te gustaría ver en nuestra sociedad? ¿Hay una lucha en particular que tiene importancia para ti o que crees que es urgente?
A mi me interesa todo lo creativo. Ya sea en el mundo del arte como en una peluquería. Solucionar problemas o planteamientos de un modo que no es el esperado, es un soplo de aire fresco. Nos ayuda a entender que los límites son impuestos, que no son barreras infranqueables sino meros obstáculos a sortear.
Para mi, lo creativo es aquello que propone caminos por recorrer. Olvidar lo que funciona por tradición y experimentar.
¿En que medidas crees que el arte y la cultura pueden empujar el cambio o acompañar una lucha? ¿Crees que la participación en las artes o la cultura son motores de cambio o de desarrollo social?
Creo que el arte y la cultura nos proponen crecer a nivel emocional y humano. No tenemos que centrar nuestras fuerzas en el progreso de lo útil o lo funcional, necesitamos centrarnos en el desarrollo de lo humano y trabajar la moral. Tenemos un camino aún muy largo y difícil para recorrer, pero mucho mas importante que el progreso material.
Para abordar esa idea de “Team”, creo que empezaste tus intervenciones en la calle con un colectivo, (si no me equivoco) también hiciste un proyecto con los alumnos de escultura de la Escola Superior de Disseny i Art “Llotja” durante tu tiempo con nosotros. ¿Que te inspira esta idea de “team” a la hora de crear y de trabajar?
Creo que entender que formas parte de un grupo ayuda a que un acto artístico no sea un ejercicio egocéntrico sino un planteamiento comunitario.
Hoy parece que hay una especie de dicotomía entre la gente creativa, la gente “artista” y “los demás”, los que compran el arte o que aprenden de el ¿Crees que hay gente creativa y gente que no lo es? ¿Todo el mundo puede ser artista?
Creo que sí. Es más, creo que todo el mundo, en diferentes niveles, lo es. Y a niveles no me refiero a que aquellos que trabajan dentro del mundo del arte son mas artistas.
Para mi es mucho más artista aquel que vive la vida de un modo poco convencional que un pintor o un escultor que se dedica a la producción de la misma receta.
Como he dicho antes, creo que se puede ser creativo en cualquier tipo de trabajo. Aunque seas un funcionario del estado, si se te plantea un problema o una situación nueva, la manera en que lo vas a solucionar va a ser creativa. Y supongo que el interés en la solución creativa de problemas, es en sí, un acto artístico.
Muchas veces la gente me dice que no podría hacer lo que hago, que no sabe dibujar. A parte que el dibujo es un 1% de mi trabajo, creo que hay un miedo y una inseguridad enorme a la hora de abarcar una iniciativa artística. ¿Que quiere decir saber dibujar? El dibujo realista es un ejercicio de copia que requiere, casi únicamente, paciencia. Desde mi punto de vista, no es la técnica lo que se necesita para ser creativo, simplemente se necesita algo que contar. La manera o el formato no es importante.
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Texto: Léa Fauroux
Fotos: Bruma / Nica Fazio / Fer Alcalá